Trampa al Ojo
Trampa al Ojo
Descripción
El "Trompe l´oeil" del Francés, o Trampa al Ojo, es una técnica pictórica que trata de engañar a la vista, y en muchas ocasiones trata de producir un falso efecto de profundidad, siendo utilizada en el arte a los efectos de crear una ilusión óptica de tal manera que los objetos tengan profundidad y perspectiva.
Técnicas
El uso de la perspectiva y el sombreado hace que los objetos aparezcan en tres dimensiones, logrando crear vistas lejanas, cielos, ventanas abiertas, agregando falsas columnas y ornamentos. El artista trata de hacer creer al espectador que lo que ve no es un objeto representado, sino que es el objeto mismo.
Se agregan también en es
ta técnica distintos tipos de objetos o relieves, se simulan falsos fondos de chimeneas o instrumentos, como dejados casualmente, y al incluir en el cuadro elementos ajenos a la obra esto le da al mismo tiempo sensación de realidad.
Los artesanos usaron el yeso húmedo con el agregado de pigmentos para crear el efecto de tres dimensiones, así como también el acabado Faux que consiste en agregar vetas de grasa con madera en gránulos para lograr esa sensación.
Antecedentes Históricos
En 460 AC, en Grecia, se llevó a cabo un concurso entre dos pintores, uno de ellos llamado Zeuxis quien realizó una obra de arte de una taberna, y su mural fue tan realista que las aves intentaron comer las uvas. Una vez que Zeuis terminó el trabajo, su homólogo Parrhasius le pidió a Zeuis que evaluara su obra de arte, para lo cual Zeius pidió que primero se corran las cortinas, y dado que era algo imposible de hacer porque esas cortinas pertenecían a la pintura, eso logró un impacto tan significativo para el jurado que nombró a Parrhasius como el ganador.
En la Antigua Roma y en Pompeya, un mural podría replicar una ventana o una puerta para recrear una habitación, utilizando yeso húmedo para dar una sensación de profundidad.
En el Renacimiento el artista Miguel Ángel (1475- 1564) usa el yeso húmedo en la Bóveda de la Capilla Sixtina, con ángeles y personajes bíblicos, agregándole trampa ojos de columnas y vigas, usando el yeso que se secaba con mucha rapidez.
El artista Leonardo Da Vinci (1492-1519) uso óleo y temple experimental para su mural La Ultima Cena y debido a eso la obra comenzó a descamarse con el tiempo.
Andrea Montegna (1431-1506) pintaba al fresco techos, usando la perspectiva y el escorzo (que se usa para representar figuras perpendicularmente al lienzo o papel donde la figura tiene una parte girada con respecto al resto del cuerpo), dando la ilusión de más amplitud para el espectador.
En el siglo XVII, los avances de las teorías sobre la perspectiva les permitieron a los artistas usar esta técnica para abrir los espacios de techos y paredes, recibiendo el nombre de Quadratura, lo que se observa en la Iglesia de San Ignacio en la obra La Apoteosis de San Ignacio de Andrea Pozzo.
Apogeo
Alcanzo su apogeo el uso de esta técnica con los pintores Flamencos del siglo XVII, los que crearon en sus obras ilusiones ópticas en tres dimensiones. Los objetos parecían salir de los marcos y de muebles abiertos, representandose los mimos con formas tan reales que inducían al espectador a querer sacarlos de la pintura, utilizando nuevas técnicas que les permitieron lograr estos engaños con mucha versatilidad.
Entre los artistas que sobresalieron se encuentran, Gerard Houckgueest (1600-1678) y Evert Collier (1640-1678).
En las iglesias Jesuitas del siglo XVI y XVII se uso la técnica de trompe l'oeil en los techos y cúpulas en los que se representaron imágenes de Jesús, María y los santos.
El pintor Salvador Dalí (1904-1989) utilizo esta técnica en algunas de sus obras, en las que pinto con gran realismo imágenes absurdas y fantásticas, como en su obra La Persistencia de la Memoria.
Al igual que el pintor Belga René Magritte (1898-1967), Dalí las utilizo en sus obras, donde combino paradójicas imágenes que tenían que ver con la realidad, pero las mismas mostraban irrealidades. Ejemplo de ellas son la obra El Imperio de la Luz, y la obra La Caída, en la que se veían hombres con sombrero cayendo del cielo.
Usos Actuales
Esta técnica también es aplicada en diferentes muebles y en decoración.
Se la utiliza en los diseños de escenografías teatrales, realizando murales interiores, creando así la ilusión de un lugar más espacioso y profundo.
Se puede apreciar esta técnica también en las pinturas llamadas arte de pavimento, las cuales tienen poca duración, pues luego de pintadas en las aceras y calles desaparecen.
Se la observa también en los murales realizados en la vía pública.
El artificio en la técnica del trompe l'oeil es que el observador descubra la verdadera realidad. Esta es la intención del artista, engañar al espectador, sustituyendo la realidad por la ilusión. Es un arte que despierta alegría en el engaño e ilusión óptica.
Impresionismo
Impresionismo. Surgimiento.
A mediados el siglo XIX, los pintores, atento a los cambios sociales y científicos lograron conectarse con su entorno de una manera distinta. Las pinturas de estudio académico, no resultaban naturales en contraste con la realidad exterior. El impresionismo surgió en Francia en 1860. Los impresionistas pintaron en el exterior, inmersos en la naturaleza, con el propósito de captar la luz en sus cambios constantes, y asir la inmediatez y la fugacidad de los momentos. Esta manera de pintar se llamo plein-air, al aire libre, terminaban sus obras en el lugar donde trabajaron. Escenas de la vida cotidiana de Paris y los suburbios.
No eran abiertamente aceptados como impresionistas atentos a que no seguían las pautas dadas por la academia de arte. Sus principales representantes fueron Claude Monet y Aguste Renoir. El estilo realista mostraba la vida en sus aspectos más crudo. Era un arte que mostraba la realidad social. El impresionismo no era social, fue más de mostrar experiencias personales. Podemos considerar sus comienzos desde su primera exposición en 1874 hasta 1886. No obstante, encontramos esbozos del impresionismo desde el realismo hasta el post impresionismo.
Nuevas Técnicas
La práctica de la pintura al aire libre, hizo que los trabajos fueran claros, sin sombras negras, las sombras son transparentes y coloreadas en la naturaleza. Los objetos y las formas van variando según el grado de luminosidad. Los objetos y figuras pierden consistencia en un cambio constante. Utilizaban pinceladas yuxtapuestas de tonos puros, el negro se reduce a su mínima expresión. Los contornos son indefinidos, y las formas se expresan con pinceladas cortas y colores vividos. Cada elemento era llevado en su mayor simpleza.
Para pintar las luces y sombras se fue imponiendo el método veneciano, pintaban luces y sombras de color opaco y luego agregaban veladuras transparentes. Otra de las características, fue cargar en forma uniforme la superficie. Resultaban más persistentes las bases claras pues conservaban su luminosidad con el correr del tiempo- Ello no sucede con las sombras oscuras dado que oscurecen mas con el tiempo. Tres factores influyeron en el desarrollo de esta técnica: el molido mecánico de los colores, los aceites aglutinantes y los aditivos empleados para mantener homogénea la pintura en los tubos de reciente aparición Los artistas preparaban la pintura solo cuando la necesitaban, pero la expansión de los colores comerciales en el siglo XIX dio lugar a la necesidad, de que los mismos conserven su consistencia antes de llegar a utilizarlos.
Los pintores impresionistas aprovechan los avances científicos, los adelantos técnicos industriales, realizando nuevas investigaciones al servicio de expresar mediante esto la subjetividad individual. Logrando captar una magia en las gamas cromáticas, y la fugacidad de los elementos cromáticos de las variaciones lumínicas.
El químico Chevreul aporta sus investigaciones sobre el contraste simultáneo de los colores y la armonía de los objetos coloreados, y la aplicación de los colores a las artes industriales mediante círculos cromáticos (1864). Chevreul dividía los colores en primarios (puros) y binarios (formados por dos colores), un color binario se realza puesto junto al primario que no forma parte de su composición. Formulo la ley del contraste simultáneo de los colores, demostrando que la yuxtaposición de los objetos coloreados modifica su naturaleza óptica, así cada color tiende siempre a colorearse de su complementario, y si ambos objetos yuxtapuestos están coloreados por un elemento común, este desaparece paulatinamente. La fotografía es para los impresionistas una ayuda, le sirve como un medio para ver mejor, un aprendizaje de la vista, poniendo la técnica servicio del arte. La influencia del arte japonés, que desde mediados de siglo se hace sentir en Europa especialmente en Paris, lo encontramos en numerosos artistas atraídos por la simplicidad cromática, el tratamiento sintético de luces y sombras. La informalidad frente a las leyes de la perspectiva, la ausencia de modelado de las figuras.
Evolución
Los impresionistas estuvieron lejos de las inquietudes sociales. Se limitaban a elegir aquellos aspectos de la sociedad y de la naturaleza que convenían a su optimista visión del mundo. Buena parte de su propagación un siglo después se debe a la naturalidad, al hedonismo con que manifiestan los más gratos aspectos de una vida pequeñoburguesa con naturalidad, rodeados de una naturaleza maternal y una sociedad cuyos problemas no expresan. Sus principales representantes en París son: Monet, Pissarro, Sisley y Renoir. Sus predecesores son Jongkind y Boudin. Artistas independientes están representados Manet y Degas. Otros artistas que toman nuevos rumbos son Seurat y Signac, creadores del puntillismo o divisionismo.; Gauguin y Van Gogh tendieron a un expresivismo simbólico, Toulouse Lautrec al expresionismo y Cezanne, antecesor del cubismo.
Surrealismo
Surrealismo-Nacimiento
El Movimiento surrealista nace en Paris como un movimiento literario, que evoluciono e influyo en las artes, y sobre todo en la pintura y fotografía.
André Bretón, escritor Frances, en 1924 publica el primer manifiesto surrealista, Influido por las teorías de Sigmund Freud, quien pretendía descubrir el subconsciente por medio de las imágenes surgidas de los sueños, las cuales desafiaban al mundo real. Los pintores exploraban los misterios de la mente, sus irracionalidades y fantasías, en búsqueda de una nueva libertad artística. El término surrealista quiere decir, ir más allá de la realidad.
Sus iniciadores
El surrealismo cuenta con un elevado número de pintores, entre los más destacados encontramos a: Marx Ernst, Miro, Masson, Picasso, Tanguy, y Magritte. Se dan en el surrealismo dos tendencias: la onírica, de los sueños propiamente dichos, y el automatismo, el cual partía de la libre asociación. Usaron la fotografía en la
que unían lo real y surreal a través de técnicas fotográficas.
Se valieron también de temas provocativos, como la violencia y el sexo. El arte hacia posible expresar lo que habían vivido los artistas después de la primera guerra mundial. Y deseaban lograr nuevos estilos y formas de expresión artistica.
Giorgio de Chirico (1888-1974) dio origen a lo que llamamos pintura metafísica, e influyo en la pintura surrealista. El pintaba lugares y objetos reales dentro de contextos extraños, dando como resultado imágenes inquietantes. Daba especial importancia al mundo de los sueños y del subconsciente, y la yuxtaposición de objetos, que fue una nota distintiva del surrealismo. Su obra se convirtió más tarde hacia un clasicismo.
Marx Ernst (1891- 1976), artista alemán, nacionalizado Frances, desarrollo técnicas nuevas para expresar sus propias conductas inconscientes. El frottage (frotaba un lápiz sobre un papel en una superficie con irregularidades). Realizo collages utilizando recortes de libros técnicos y científicos, sin valor alguno. Fundó la rama del dadaísmo en 1919, que se trataba de un movimiento artístico formado por artistas y literatos disconformes con las atrocidades de la guerra. A través de sus obras se revelaban contra el arte establecido, incorporando conceptos irracionales e imaginativos en sus obras. Contribuyo al desarrollo del surrealismo a partir del dadaísmo, utilizando recuerdos de la infancia para influir en sus obras.
Joan Miro (Barcelona 1893-1983), su obra se caracteriza por el dibujo automático, trasladando al papel los procesos del inconsciente. Artista introspectivo, rechaza los convencionalismos tradicionales de la pintura. Artista lúdico, daba gran valor a los dibujos infantiles, aunque en su obra se advierte un grado de rebeldía, el decía que quería destruir la pintura, que era un concepto dadaísta. Los pintores surrealistas daban gran importancia a los artistas aficionados, cuya pintura partía de impulsos creativos, sin
leyes estéticas. También a los dibujos infantiles y a la pintura de los enfermos…buscando siempre imágenes fantásticas o absurdas.
René Magritte (1898-1989). Se destaco por un surrealismo real, con una gran imaginación y declaraciones visuales paradójicas en su obra, en El Imperio de las Luces, se ve a la vez la noche y el día, escena onírica surrealista e irracional.
Salvador Dalí (1904-1989). Dueño de una excéntrica personalidad, se adhirió al grupo surrealista en Paris, su método al que llamo paranoico critico, se basaba en asociaciones delirantes. Su obra explora los deseos inconscientes, el pinto imágenes desagradables y sorprendentes con un realism
o meticuloso. En su obra La Persistencia de la Memoria, con sus relojes que se derriten, nos da la sensación de que el tiempo ha enloquecido.
Expansión
El movimiento surrealista se expandió a otras naciones y ejerció una gran influencia en el cine y el mundo de las artes en general.
Abstracción
Surgimiento de la abstracción. Pintura Abstracta
El mayor cambio en el arte no figurativo fue eliminar la referencia al mundo de los objetos identificables. En los inicios del siglo xx el arte abstracto era un concepto revolucionario, en el se prescindía de personas y objetos identificables, comenzando a aparecer formas flotantes similares a seres y cosas geométricas, áreas de color extensas cubriendo todo el lienzo y líneas horizontales y verticales. Siendo el cambio más profundo el eliminar la referencia al mundo de los objetos identificables. El arte sin representación.
Los impresionistas habían reducido el dominio del realismo sobre el mundo físico y se acercaron a veces a la abstracción. La noción de la abstracción no era del todo nueva, es el caso del pintor J. William Turner, sus remolinos de colores son identificables con barcos en el mar. Los cubistas dividieron los objetos en planos múltiples, no pretendieron abolir la representación, sino solo reformarla en sus dimensiones espaciales. Los expresionistas y fauvistas representaron la naturaleza desligándose de los colores que usualmente se empleaban. Las pinturas de los artistas no habían abandonado aun la realidad concreta, y no prescindían de las figuras y objetos.
Pioneros del arte abstracto.
Al referirnos a los pioneros del arte abstracto, debemos mencionar a Hima af Klint, de origen sueco (1862- 1944). Ella crea sus obras antes de la presentación de los trabajos de Kandinsky en 1911, de quien históricamente se dice que fue el creador del arte abstracto. Esta situación se plantea atento a que las obras de Hilma af Klint se dan a conocer recién en el año 1986. Ello fue debido en parte por decisión propia y en parte influenciada por Rudeel Stanley presidente de la sociedad de antroposofía (se ocupa de la búsqueda de la sabiduría oculta y los espíritus), a la que ella adhiere, quien le sugiere que dichas obras no se den a conocer en esa época, puesto que no serian reconocidas ni acepta
das.
Hilma af Klint estudio en la real academia de arte de Estocolmo, debido a que allí aceptaban mujeres, cosa que no era usual en esa época. Ella transmitía lo espiritual a través del arte, era retratista y paisajista, pero su principal obra era la abstracta, en la que plasmo un mundo supra terrenal, lejos de las apariencias visuales a fin de llegar a un conocimiento más allá de lo material.
Forma en 1892 el grupo De los Cinco, quienes tienen como fin plasmar en el arte el conocimiento astral.
Realizando pinturas automáticas y dibujos colectivos en las sesiones de espiritismo. Sus experiencias extrasensoriales la guiaron en la creación, indagando la línea, el color, los símbolos, la palabra, los átomos, la materia y la energía. Le interesaba el tema de la dualidad, el bien y el mal, la mujer y el hombre, la religión y la ciencia. Desplego en sus obras círculos concéntricos, óvalos, espirales, pirámides y triángulos (símbolo del desarrollo espiritual del hombre).
Dejo una obra prolífica, cuyo merito fue crear para el futuro, dejándonos una visión de la vida alejada de lo material.
Algunos historiadores definen a la abstracción como la resultante natural de un proceso de representación formal que hereda las enseñanzas del cubismo, Kasimir Malevich y Mondrian son los pioneros de ese proceso. Otros destacan que el arte abstracto es consecuencia de una búsqueda espiritual con raíces profundas en el expresionismo, caso de Kandinsky. Su obra evoluciono a la abstracción partiendo del expresionismo colorido.
El Jinete Azul fue el nombre impuesto a un grupo de expresionistas alemanes en 1911 .Sus representantes más importantes son: Vassily Kandinsky y Franz Marc. Kandinsky y su grupo pensaban que se podía realizar una curación a través del arte, y lograr un arte nuevo, espiritual y trascendente. Expresaba Kandinsky que el espíritu del hombre moderno se hallaba oprimido por el materialismo. Ante esta situación el hombre debía encontrar un nuevo sentido espiritual. La pintura y las artes se hallan en una vuelta a lo espiritual, y un acercamiento a ello es llegar a la abstracción, a lo elemental. ( Kandinsky Benedikt Taschen).
Para Kandinsky (Moscú 1866-1944) la composición de formas cromáticas y dibujos, surgen de un imperativo interior, y expresan una visión intima del alma humana. Su abandono de la figuración obedece a la necesidad de hallar otra manera de proyectar sus visualizaciones que superen la aparente contradicción entre forma y color. El artista debe ser un creador de lo propio y personal, y deberá expresarlo de acuerdo a las condiciones de su época (lo temporal), y reflejar el contenido del arte de todas las épocas, (lo eterno), esto responde a necesidades místicas. Cada forma tiene para él un contenido interior, y es la manifestación exterior de ese contenido. La armonía de las formas debe asentarse en una necesidad interior. .
Al decir de Kandinsky, la pintura es un arte, y el arte, en su aspecto global, no es una creación inútil de objetos que se deshacen en el vacío, sino una fuerza útil que sirve al desarrollo y la sensibilización del alma humana.
Kandinsky se incorpora a la escuela de la Bauhaus en 1922. En su libro Punto y Línea Sobre el Plano, pretende sentar las bases para una teoría científica del arte. Analiza el punto, la línea y el plano, convencido de que las formas son variaciones sobre un tema único que presenta infinidad de posibilidades, por la acción de los contrarios, similitudes, etc. Su obra es el resultado de una composición meticulosa, que requiere de esbozos y diagramas. Kandinsky estudio el influjo sicológico del color, y el poder emocional de la música. Consideraba que los colores tenían una profunda fuerza expresiva y poseían cualidades propias. Ejemplo: el bermellón expresa una vibración espiritual, como una llama.
A su vez, Malevich y Mondrian llegan a la abstracción a través de un proceso ligado al cubismo, en el que se desafían las dimensiones espaciales. Para Malevich (Moscú 1878-1935), según el manifiesta, logra un arte en el que la capacidad de crear una construcción no deriva de las relaciones entre forma y color, tampoco en el gesto estético, sino que se construye sobre la base del peso, la velocidad y dirección del movimiento, reflejando así la supremacía del sentimiento puro, o la sensación en las artes pictóricas, que llamo suprematismo.
El objeto no tiene para R. Malevich ningún significado, buscaba la representación no objetiva. Lo observamos en sus series de pinturas Blanco sobre Blanco, o Suprematismo Dinámico. Allí las formas geométricas son abstractas. Trata de expresar los sentimientos y expresiones profundas de la personalidad.
Las investigaciones de Piet Mondrian (Holanda 1872-1944), proponen como dogma la estructuración del plano soporte con líneas verticales y horizontales, las que determinan un conjunto de planos pintados con colores puros: blanco, negro y gris. Su deseo era lograr la pureza personal. Y lograr la simplicidad divina. Utilizaba los colores primarios, además de blanco y negro. Su estilo era la austeridad. Su obra: ¨Pintura en diamante en rojo amarillo y azul¨, es una obra dinámica y de un gran equilibrio.
Los pioneros Kandinsky, Malevich y Mondrian, alcanzaron su estilo por caminos distintos, pero todos aspiraban a combatir las limitaciones de los valores materialistas socialmente dominantes, con una serie de valores nuevos y profundos. El enfoque creativo de ellos estaba empapado de creencias esotéricas orientales, filosofía antigua y literatura mística reciente. Querían que su arte pudiese ofrecer el fundamento de una vida ordenada y espiritual.
Que es pintura abstracta
Como definimos a la pintura abstracta si no hacemos hincapié en su estructura formal. Según dice G. Deleuze y F- Guattari, Se trata de una construcción que no tiene una referencia directa con el mundo exterior, de planos de colores uniformes, o de líneas que cambian, sin interior o exterior, sin forma o fondo, y figuras geométricas o líneas continuas. Todas ellas son manifestaciones de las fuerzas que el artista pone en movimiento al momento de crear.
Prescinde de personas y objetos identificables, es el arte sin representación del objeto.
La abstracción en el arte permite lograr una expresión del artista en total libertad, por lo que puede manifestar en plenitud su mundo interno.
La pintura abstracta permite una liberación de las formas de los objetos tal como son. De esa manera se va logrando expresión profunda íntima con los sentimientos y las emociones. Lo que se pinta o dibuja no es la realidad sino lo que cada uno percibe imagina o siente qué es. El mundo interior del artista se manifiesta, se expresa. Las variaciones son múltiples, como lo han expresado los artistas a través de la historia. La mancha pura, forma geométrica, planos de color. Por lo tanto, la expresión pintura abstracta, es más abarcativa en el plano pictórico de lo que su término indica. Es por ello qué se ha dividido en dos grandes campos el arte abstracto: geométrico y lírico. Sin embargo el acento importante de la abstracción no es la parte formal de la obra, sino la manera en que el artista transmite sus fuerzas y las hace visibles a través del caos, la sublimación, espacios limpios libres, lisos, planos de color o figuras geométricas.